Francis Kleynjans
A l'aube du dernier jour
1. Attente
2. Aube
Manuel Ponce
Sonatina meridional
3. Campo
4. Copla - Fiesta
Alexandre Tansman
Cavatina
5. Preludio
6. Sarabande
7. Scherzino
8. Barcarole
9. Danza pomposa
Joaquin Rodrigo
10. En los trigales
11. Fandango
Alberto Ginastera
Sonata Opus 47
12. Esordio
13. Scherzo
14. Canto - Finale
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Méditations sur le mystère de la Sainte Trinité (1969)
for organ
1. Méditation III
2. Méditation IV
3. Méditation V
4. Méditation VI
5. Méditation VII
6. Méditation VIII
7. Méditation IX
Olivier Messiaen (organ)
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CD 1
1. Preludium For Jazz Ensemble
2. Concertino for 12 Instruments
3-5. Octeto for Wind Instruments
6. Ragtime for 11 Instruments
7. Tango
8-10. Septet
11. Pastorale: Song Without Words
12-14. Ebony Concerto
15. Symphonies Of Wind Instruments
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CD 2
1-5. Duo Concertant
6-9. Serenade in A
10. Concerto for 2 Solo Pianos
14. Piano-Rag Music
15-17. Sonata for 2 Pianos
18-20. Sonata for Piano
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IGOR STRAVINSKY, conductor
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Compositor e inventor de instrumentos que pudieran interpretar su propia música, Alois Hába nace en Vizovice (Checoslovaquia) el 21 de junio de 1893, recibiendo las primeras lecciones musicales de su padre, director de la Banda de música local, hasta que a los 15 años estudia música y educación general en el Instituto Kromeriz, ingresando en 1914 en el Conservatorio de Praga en el que queda bajo la tutela de Novak.
En 1917 comienza a introducir la técnica del cuarto de tono en sus obras, siendo la primera de ellas Suite para orquesta de cuerda (1917), escrita bajo los auspicios de la conferencia de von Möllendorf a principios de año. El compositor y pianista Ervin Schulhoff (1894-1942) fue uno de los más frecuentes intérpretes de la obra de Haba para piano compuesta con esta técnica. Pese a ello, un año después estudia con Schreker, lo que eleva su competencia en las técnicas clásicas.
Ya en 1923 inaugura un departamento de Música Microtonal en el Conservatorio de Praga, lo que le ayuda a introducir las técnicas del cuarto y sexto de tono en la música occidental, pero la II Guerra Mundial supone no sólo un parón de la investigación sino un período de sequía creadora, como le ocurrió a la mayor parte de los compositores progresistas de la época que se vieron amenazados por el nazismo.
Tras esta durísima etapa, hacia 1945, Haba ejercerá como Profesor del Conservatorio de Praga, sin embargo el régimen comunista condena sus investigaciones musicales, que ya habían llegado a la creación de instrumentos apropiados para la interpretación de sus obras.
El vanguardista compositor checo moría en Praga el 18 de noviembre de 1973 a los 80 años de edad.
1. Nonet Nº 1 Op. 40 (1931)
String Quartet Nº 7 Op. 73 (1950-51)
2. I. Allegro risoluto
3. II. Andante cantabile
4. III. Allegro agitato
String Quartet Nº 8 Op. 76 (1951)
5. I. Allegro Risoluto
6. II. Allegro cantabile e grazioso
7. III. Allegro agitato e resoluto
String Quartet Nº 13 Op. 92 (1961)
8. I. Allegro energico
9. II. Andante cantabile
10. III. Allegro agitato
Nonet Nº 4 Op. 94 (1962-71)
11. I. Allegro moderato
12. II. Andante cantabile
13. III. Allegro animato
14. String Quartet Nº 15 Op. 95 (1964)
15. String Quartet Nº 16 Op. 98 (1967)
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George Crumb (1929- )
Black Angels (1970)
Thirteen Images from the Dark Land
1. I. Departure
2. II. Absence
3. III. Return
Thomas Tallis (1505-1585)
4. Spem in Alium (late 16th century)
(Sing and Glorify)
40-'Part Motet'
arranged by Kronos (1989)
Istvan Marta (1952- )
5. Doom. A Sigh (1989)
Charles Ives (1874-1954)
6. They Are There!
Fighting for the People's New Free World (1917/1942)
Dmitri Shostakovich (1906-1975)
Quartet Nº 8 (1960)
7. I. Largo
8. II. Allegro molto
9. III. Allegretto
10. IV. Largo
11. V. Largo
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Trois Petites Liturgies de la Présence Divine (1943-44)
for piano solo, ondes martenot, celesta, vibraphone, percussion, unison women's voices and string orchestra
1. I. Antienne de la conversation intérieure
2. II. Séquence du Verbe, Cantique Divin
3. III. Psalmodie de l'Ubiquité par amour
Yvonne Loriod (piano)
Jeanne Loriod (ondes Martenot)
Maítrise et Orchestre de Chambre de la RTF
Marcel Couraud
Méditations sur le mystère de la Sainte Trinité (1969)
4. Méditation I
5. Méditation II
Olivier Messiaen (organ)
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György Kurtag (1926- )
1. Messages de Feu Demoiselle R.V. Troussova (1976-1980)
21 poèmes de Rimma Dalas, Op. 17
Harrison Birtwistle (1934- )
2. ...agm...
pour 16 voix et 2 groupes instrumentaux
Gérard Grisey (1946- )
3. Modulations (1978)
Ensemble Intercontemporain
Pierre Boulez
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Bohuslav Martinú 1890-1959
1. Memorial to Lidice (1943)
Luigi Nono 1924-1990
Canti di vita e d'amore (1962)
2. I. Sul ponte di Hiroshima
3. II. Djamila Boupachà: Esta noche
4. III. Tu
Arnold Schoenberg 1874-1951
5. A survivor from Warsow, Op. 46 (1947)
Karl Amadeus Hartmann (1905-1963)
Symphonye Nº 1 "Essays for a Requiem" (1937/48)
6. I. Introduktion: Elend
7. II. Früling
8. III. Thema mit vier Variationen
9. IV. Tränen
10. V. Epilog: Vitte
Ingo Metzmacher, conductor
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1. Greeting Prelude
Suite Nº 1 for Small Orchestra
2. I. Andante
3. II. Napolitana
4. III. Espanola
5. IV. Balalaika
Suite Nº 2 for Small Orchestra
6. I. Marche
7. II. Valse
8. III. Polka
9. IV. Galop
Concerto in E flat for Chamber Orchestra 'Dumbarton Oaks'
10. I. Tempo Giusto
11. II. Allegretto
12. III. Con Moto
4 Norwegian Moods
13. I. Intrada
14. II. Allegretto
15. III. Wedding Dance
16. IV. Cortege
17. Circus Polk: Composed For A Young Elephant
Concerto in D for String Orchestra 'Basle Concerto'
18. I. Vivace
19. II. Arioso. Andantino
20. III. Rondo. Allegro
8 Instrumental Miniatures
21. I. Andantino
22. II. Vivace
23. III. Lento
24. IV. Allegretto
25. V. Moderato Alla Breve
26. VI. Tempo Di Marcia
27. VII. Larghetto
28. VIII. Tempo Di Tango
4 Etudes for Orchestra
29. I. Danse
30. II. Excentrique
31. III. Cantique
32. IV. Madrid
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IGOR STRAVINSKY, conductor
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Ralph Towner
Hijo de un trompetista y de una profesora de piano, el guitarrista, Ralph Towner, aunque de niño estudió ambos instrumentos, solo fue cuando entró en la Universidad de Oregón en 1958, cuando se dedicó en serio a la música. Allí estudio composición y teoría, además de profundizar en el aprendizaje de la trompeta, hasta entonces, su instrumento preferido. En 1962, decidió cambiarse a la guitarra coincidiendo con el ultimo año de Universidad.
En 1963, marchó a Austria donde estudió guitarra clásica durante todo un año en la "Vienna Academy of Music" con el profesor, Karl Sheltt. Un breve periodo de interrupción lo traslada a su país de nuevo con la intención de doctorarse en sus estudios, y nuevamente regresa a Viena para continuar con Sheltt, ya hasta 1967. Terminado su periplo europeo, cuando regresa a New York, toca el piano con Astrud Gilberto y también con el grupo de Dave Holland. Llama la atención de Miles Davis y también de Keith Jarrett, quienes le contratan para alguno de sus proyectos. Adoptó la guitarra de doce cuerdas y entró a formar parte del combo de John McLaughin, en el que estaba también, Jimmy Garrison y Winter Consort. Los "Tamba Four" como se les denominó alcanzaron un gran éxito y le sirvió para colaborar con Gary Barton y su grupo "Oregón" en el que tocaban un amplio abanico desde la música rock a la clásica.
En 1974, la revista especializada Down Beat, le otorgó el primer puesto en el refrendun de los críticos de jazz como mejor instrumentista de guitarra, y ello le abrió las puertas del mundo del jazz definitivamente. Viajó a Europa en varias ocasiones, actuando en los Festivales de Berlín y Suecia. Sus discos, excelentes la gran mayoría, han sido todos grabados para el sello ECM y es muy destacable el grabado en 2001 titulado "Anthem" y donde alterna los temas con la guitarra clásica y la de doce cuerdas.
Gary Peacock
Gary Peacock, (Burley, 1935) es uno de los grandes contrabajistas del jazz moderno. Su carrera profesional siempre estará marcada con letras de oro en la historia del jazz, por su pertenencia y relación musical con el trío del pianista, Keith Jarrett.
Gary Peacock, comenzó a tocar el piano y la batería en su época de estudiante. Su afición por el jazz y por el contrabajo en particular se acrecentó durante el servicio militar que realizó en Alemania. Terminado éste, se afincó en Los Ángeles donde trabajó con los grandes músicos de la Costa Oeste. Allí conoció y tocó con Paul Bley, Barney Kessell y Don Ellis. En 1962 se trasladó a New York y colaboró con Albert Ayler y también ocasionalmente con el pianista, Bill Evans en su disco, "Trío 64". En aquélla época prevaleció sin embargo la colaboración con Albert Ayler, primero en trío con Sunny Murray y luego en cuarteto con el añadido de Don Cherry.
Con ese cuarteto realizó una triunfadora gira por Europa grabando en Copenhage un álbum extraordinario titulado: "Ghost" liderado por Albert Ayler. Hasta el final de la década de los sesenta graba varios discos siempre a nombre de Ayler o de Paul Bley. Toda la primera mitad de la década de los setenta, los dedicó simultáneamente a la enseñaba de la ciencia macrobiótica en Seattle y a profundizar sus conocimientos en la cultura oriental, llegando a estudiar en Japón la filosofía Zen. En 1977 la música volvió a convertirse en su actividad principal y grabó el primer disco a su nombre para el sello ECM, titulado "Tales of Another" que tuvo una gran acepcion de critica y público, y fue su primera colaboración con Keith Jarrett y Jack DeJohnette. A ese álbum le siguió otro practicamente al contrabajo solo y colaboró en otro disco con el guitarrista, Bill Connors.
La carrera de Gary Peacock, da un giro de 180º en la década de los ochenta. En 1983 empieza su colaboración con el pianista, Keith Jarrett y el baterista, Jack DeJohnette, y durante los próximos veinte años, el trío formado por esos músicos rompe todos los moldes establecido en el trío clásico de jazz. Cuando graba con Jarrett liderando las sesiones degrabacion, sus extraordinarios discos: "Standars. Vol 1"; "Standars. Vol 2" y "Standars Live", estos tres músicos, dieron un paso trascendental al frente de un trío convencional para iniciar lo que hoy alcanza dimensiones de enciclopédico homenaje a la tradición jazzistica.
Todavía hoy, ese trío sigue en la cima de la vanguardia jazzistica y su música, lejos de estar caduca y añeja, sigue sonando fresca, improvisada y con el swing suficiente como para dejar álbumes grabados como el recién editado en 2002, titulado: "Up for It" .
Fuente: apoloybaco
1. Opalesque
2. Viewpoint
3. Mingusiana
4. Creeper
5. Infrared
6. From Branch To Branch
7. Postcard To Salta
8. Toledo
9. Amber Captive
10. Moor
11. Beppo
12. A Closer View
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"Francis Poulenc y su importancia en la música vocal del siglo XX"
por Ana Higueras, Catedrática de Canto de la Escuela Superior de Canto de Madrid, abril 1999
Francis Poulenc nace en París el 7 de enero de 1899. Empieza los estudios de piano a la edad de 5 años con su madre, excelente pianista. A los 8 años trabajará el piano con Mlle. Boutet de Monvel, sobrina de César Franck, a través de ella conocerá la música de Debussy. El hermano de su madre "Oncle Papoum" lo introduce desde muy pequeño en la vida teatral parisina. A los 10 años descubre las canciones de Schubert y lee y aprende de memoria los poemas de Mallarmé. A los quince años descubre a Stravinsky y se maravilla oyendo "La consagración de la primavera". En esta época empieza a estudiar piano con Ricardo Viñes, amigo e intérprete de Debussy y Ravel, encuentro este muy importante para Poulenc que dice deberle a él todo; "lui doit tout" como pianista. Poulenc, en su adolescencia, conocerá a Auric, Honegger, Milhaud y Satie. E. Satie y G. Auric tendrán una gran influencia en su obra y en su evolución como compositor.
El 11 de diciembre de 1917 se celebra en el teatro del Vieux-Colombier uno de los conciertos de vanguardia organizado por Jane Bathori, donde se estrena su primera obra "Rapsodie Noir", para barítono, cuarteto de cuerda, flauta y clarinete. Obra que dedicará a sus amigos compositores. Tiene un gran éxito y con ella se da a conocer en todo el ambiente musical parisino. Conocerá a Paul Vidal y a Ravel aunque no más allá de un primer encuentro.
Entre 1918 y 1921 es movilizado para hacer el servicio militar. Mientras está en el ejercito escribe su primer ciclo de canciones "Le bestiaire" sobre poemas de Apollinaire (1918-19), es una obra de extraordinaria personalidad para un joven de 20 años. A continuación vendrá un ciclo de tres canciones populares, "Cocades", sobre textos de Jean Cocteau, con instrumentos de viento y percusión, de las que también hará Poulenc una versión para canto y piano. En "Cocades" imitará el sonido de una banda callejera, en su pensamiento seguro estaba el "Cuento del soldado " de Stravinsky.
Cuando deja la armada y se reintegra a la vida civil participa en los conciertos Delgrange, después de uno de estos conciertos nacerá el grupo de Les Six que comprende además de a Poulenc a Tailleferre, Auric, Durey, Honegger y Milhaud. A este grupo de Les Six les unía más la amistad que una estética común ya que la estética musical de Honegger, por ejemplo, no tiene nada que ver con la de Poulenc.
De 1921 a 1924 aparte de continuar sus estudios de piano con R. Viñes toma clases de composición con Koechlin. Recorre Europa en compañía de Milhaud, va a Viena donde conoce a Schönberg y a sus alumnos y a Alban Berg . En Italia conocerá a Caselli.
Muchas de las obras dramáticas de Poulenc tienen que ver con el absurdo. Su primer intento es de música accidental en una obra surrealista de Cocteau y Radiguet "Le Gendarme incompris" (1921). A pesar del entusiasmo de Milhaud, Poulenc retira el material. En junio vendrá el estreno de "Les mariés de la Tour Eiffel", donde interviene el grupo de Les Six, salvo Durey, y donde Poulenc compondrá dos movimientos; el estreno fue "en succés de scandal". El año 1924 será decisivo para Poulenc, entra en contacto con Diaghilev y sus ballets rusos y escribe el ballet "Les biches", primera obra importante de Poulenc que le aportará un enorme éxito tanto de público como de crítica.
Entre 1931 y 1932 escribe una de sus obras predilectas, "Le bal masqué", donde refleja su nostalgia por su "côté paysan", cantata para barítono o mezzo e instrumentos.
En 1935 conoce al cantante Pierre Bernac y el 3 de abril darán el primer concierto juntos, incluyendo en el programa el estreno de los "Cinq poèmes d'Eluard". Poulenc se siente desde la adolescencia atraído por la poesía de Eluard, pero pasa tiempo hasta que se decide hablar con el poeta, a partir de entonces colaborarán en varias ocasiones juntos.
La muerte de su amigo Pierre-Octave Ferroud en un accidente de coche, lo acerca de nuevo a su fe católica. Acude a los funerales en Notre-Dame de Rocamadour y una semana después escribe "Litanies à la Vierge Noir" (1936), para voces femeninas divididas en tres grupos, dentro de un estilo tonal con cadencias convencionales y el apoyo del órgano con insistentes acordes cromáticos.
Después de su reencuentro con el catolicismo y a lo largo de 25 años, Poulenc escribe una serie de obras corales religiosas que revelan una gran unidad tonal y una creciente complejidad de lenguaje. Continuador de la tradición francesa de Janequin y de Sermisy su temprano estudio y conocimiento de la obra coral de Bach dejará profunda huella en su obra coral religiosa.
En 1937, Poulenc escribe una de sus obras vocales más importante, "Tel jour telle nuit", sobre poemas de P. Eluard, para voz de tenor o soprano, este ciclo de canciones bien puede situarse junto al ciclo la "La Bonne chanson" de Fauré. Roland-Manuel escribe: "Tel jour telle nuit", nous donne l'exemple, peut-être unique d'un cycle de mélodies française qui s'inscrivent naturellement dans la tradition du Lied et prennent bien place auprè du "Voyage d'hiver" et des "Amours de poète".
En 1941 Poulenc estrena el ballet "Les animeaux modeles". Honegger escribirá en "Comoedia":"La personnalité de Francis Poulenc s'affirme de plus en plus comme celle d'un musique intégral.... á chaque instant un contour mélodique, un enchaînement harmonique nous fait dire: c'est très Poulenc."
Durante la II guerra mundial, Poulenc permanece en la Francia ocupada, haciendo la resistencia a su manera, con su propia música. Su sonata de violín la dedicará a Federico García Lorca e introduce poemas de Aragon y Eluard en sus obras "C", Fêtes Galantes y "Figure humaine". "Figure humane" compuesta en 1943 sobre un texto de P. Eluard puede decirse que es su obra maestra dentro del genero coral. Obra de una extrema complejidad para coro a capella, exige una línea de gran pureza vocal para expresar el tono de súplica que Poulenc desea. Después de la guerra, Poulenc se integra de nuevo en la vida musical parisina. Defiende el clasicismo de Stravinsky frente al "Mesiaenismo". Strawinsky tendrá una gran influencia en su obra.
En 1944 Poulenc lee el drama-surrealista de Apollinaire "Les mamelles de Tirésias", obra que lleva soterrado el mensaje de Apollinaire de la necesidad de que nazcan niños en Francia y del estímulo de "la libido" en las mujeres francesas, preocupación nacional que existe en Francia ya desde tiempos de Napoleón. Poulenc escribe sobre este texto su primera ópera.
"Les Mamelles de Tiresias", descrita como ópera-buffa, en ningún caso opereta aunque a veces incluya Poulenc algunos tiempos en Polka y vals al mejor estilo vienés, es obra de una inventiva y creatividad desbordante donde transcurren, vertiginosamente, una serie de escenas fundamentadas todas ellas en el absurdo, con personajes rayando en la locura. El prólogo que sirve como introducción a la obra, para voz de barítono lírico, me hace pensar en el "Pelléas et Mélisande" de Debussy. De carácter dramático, más parece la introducción a un drama que a una opera-buffa, ese sentido dramático que da Poulenc al prologo es en si un elemento más del absurdo en el contexto de la obra. En el tiempo de vals deja traslucir una cierta influencia de Richard Strauss en su "Rosenkavalier".
"Les Mamelles de Tiresias" se estrena en 1947 en el Theatre de L´Operá Comique de París con un enorme éxito, el personaje principal, Thérèse - La Cartomancienne, será encarnado por Denis Duval, cantante que también estrenará las otras dos óperas de Poulenc, "Dialoge de carmélites" y "La voix humaine". El personaje de Thérèse - La Cartomancienne de gran lucimiento vocal está escrito para una voz de soprano lírica, con centro lleno y registro agudo fácil, tiene momentos de gran dramatismo vocal como en su entrada como La Cartomancienne en la escena 7ª, al más puro estilo, en tiempo lento (lassu), de "csardas". La primera escena, de gran dificultad técnica abarca una tesitura que va desde un Mi central a un Do agudo, a veces mantenido hasta cinco compases. Los trinos y picados y su vertiginoso subir y bajar hacen del personaje un autentico virtuosismo vocal. Puede decirse que estas dos escenas, la 1ª y la 7ª son las de mayor lucimiento para el personaje de Thérèse - La Cartomancienne. El otro protagonista vocal de "Les Mamelles" será "Le Mari", excepto en la 4ª escena exclusiva de Lacouf y Presto, Le Mari estará continuamente en escena. En la partitura viene la voz de Le Mari escrita en clave de Fa y con frecuencia escribe opciones para cantar frases enteras en octava alta, hasta un Si bemol en algunas ocasiones y con frecuencia La y Sol natural agudos. Opciones propuestas, pienso yo, para que el personaje de Le Mari pueda ser interpretado, bien por un tenor cómico-ligero o de carácter, bien por un barítono-atenorado que en determinados momentos pueda cantar en falsete. La tesitura de Le Mari es extremadamente aguda aun pensando en voz de tenor. Además de la dificultad técnica vocal con la que Le Mari tiene que enfrentarse a lo largo de la obra también se enfrentará a un personaje teatralmente complicado. Le Gendarme (barítono-lírico), Presto (barítono), Lacuf (Tenor) y demás personajes, estarán dentro de su tesitura sin mayores dificultades vocales aunque si musicales.
La parte coral de Les Mamelles es de una gran importancia y protagonismo en la obra, de gran brillantez y equilibrio armónico tiene una clara influencia de Stravinsky en su sonoridad, no olvidemos la devoción que Poulenc siente por este compositor desde su adolescencia. El tratamiento que Poulenc da a la parte coral en "Les Mamelles" lo encontraremos más adelante en su Stabat Mater. "Les Mamelles de Tirésias" se estrena en 1947 en el Theatre de L´Operá Comique de París con un enorme éxito y se pone en cabeza del repertorio operístico francés junto a "Le roi malgré" de Chabrier y "L'heure espagnol" de Ravel.
En los años siguientes, Poulenc hace su primera gira de conciertos por Estados Unidos con el cantante Pierre Bernal donde son recibidos con verdadero entusiasmo. Escribe entre otras obras el ciclo de siete canciones, "Calligrammes" sobre poemas de Apollinaire, escritas en una tesitura central, pueden ser cantadas por una soprano con centro, una mezzo o un tenor. Después de escribir este ciclo, Poulenc se replantea su forma de abordar el género de la canción, busca más equilibrio entre el la voz y el piano y comienza una constante búsqueda en el empleo de los medios para conseguir esa pureza de línea que él tanto admira en la pintura de Matisse. Este cambio de sonoridad en su forma de escribir la canción, se pone de manifiesto en uno de los ciclos más bellos y sensibles del compositor "La fraîcher et le feu" (1950), sobre un poema en siete secciones de P. Eluard, escritas en tesitura central para una voz de mezzo-soprano. Son canciones breves, como pequeñas pinceladas del sentimiento, del espíritu.
En 1951 se estrena en el Festival de Strasburgo su Stabat Mater para soprano, coro mixto y orquesta. Esta obra quedará como una de las obras maestra de la música vocal religiosa francesa de este siglo. Es la obra más importante que escribe dentro del genero del oratorio, de gran fuerza expresiva y profundamente conmovedora.
Su segunda ópera, "Diálogo de Carmelitas", la escribe Poulenc por encargo del director de la casa editorial Ricordi, entre agosto de 1953 y junio de 1956. El encuentro inesperado entre Bernanos, autor del drama, y Poulenc es lo que propicia el nacimiento de esta obra maestra. Describe las emociones de un grupo de monjas condenadas a muerte durante la revolución francesa. La belleza del texto desnudo y su profundo sentido religioso inspiran a Poulenc que da lo mejor de sí mismo en esta obra, donde aporta a esa difícil fusión entre música y drama un tratamiento personal y nuevo. Poulenc sigue simplemente, como Debussy, el antiguo - pero actual - principio de Monteverdi: "El estilo recitativo es cuando se habla cantando; el lírico es cuando se canta hablando". La palabra tiene un protagonismo en el drama lírico tan importante como la música. Poulenc y Bernanos consiguen esa fusión perfecta y equilibrada entre música y palabra y son capaces de expresar hasta las más mínimas inflexiones del sentido profundo del texto. Poulenc se revela como un experto de primer orden resolviendo esta ópera, de 2 horas y media de duración y personajes casi exclusivamente femeninos, en una serie de escenas de muy corta duración. Schönberg describe la obra como "une syphonie pour grand orchestre avec acompangement d'un voix de chant". "Diálogo de Carmelitas" se estrena en Milán el 26 de enero de 1957 y quedará en los anuales de este teatro como un triunfo memorable. En mayo del mismo año se estrenará en París.
La ultima vez que Poulenc ponga música a poemas de Eluard será en 1956. Escribe el ciclo de canciones "Le travail du peintre", obra encargo en homenaje a ocho pintores contemporáneos. Obra de una rica textura y sonoridad, armónicamente compleja, encuentra en los poemas de Eluard su mejor soporte.
En 1958 compone su tercera y última ópera "La voix humaine" una tragedia lírica en un acto sobre la famosa obra de Jean Cocteau. Es un largo monólogo de cerca de 45 minutos al que la música de Poulenc añade una nueva dimensión, enriqueciéndolo de humanidad y de un patetismo desgarrador. El tema, una conversación telefónica de una joven con su amante que la abandona. La angustia, la incertidumbre de esta joven mujer, las continuas interrupciones telefónicas y los largos silencios mientras el amante habla al otro lado del teléfono, el pensamiento de suicidio, la muerte final, todo ello hacen de este drama en perfecta fusión con la música de Poulenc, una obra de gran fuerza dramática. La variedad de lenguajes musicales, de motivos conductores que Poulenc utiliza, llevan a un profundo estudio de la desesperación humana. Este drama para voz y orquesta escrito para una voz de soprano lírica con facilidad en la zona aguda, encuentra una vez más en Denis Duval su interprete ideal. Se estrena el 6 de febrero de 1959 en L'Operá Comique de París.
Después de esta tragedia profana Poulenc vuelve a la música religiosa con un "Gloria" para soprano, coro y orquesta que terminará en la primavera de 1960.
La ultima serie de canciones que escribe, "La cour paille",en 1960, la escribe para que Denis Duval se las cante a su hijo. En este año también hará con ella una gira por los Estados Unidos.
En 1961 escribe un monólogo para soprano y orquesta, "La dame de Monte Carlo", sobre un texto de Jean Cocteau, recordando a "La voix humaine", donde Poulenc muestra de nuevo la desesperación humana y el terror de la depresión. En este año también escribe su último oratorio, "Sept répons des ténebrès".
Poulenc vivirá entre París y su casa de campo "Le grand Coteau" en Noizay (Touraine), donde encontrará su ideal de forma de vida: "une solitude coupé de visites d'amis". El 30 de enero de 1963 mientras Poulenc esta trabajando en su cuarta ópera sobre un texto de Cocteau, "La machine infernal", muere repentinamente de un ataque al corazón, tres semanas después de haber cumplido los 64 años.
Francis Poulenc es uno de los compositores más representativos de la música vocal francesa del siglo XX. De una creatividad natural y espontanea, siendo la melodía la que constituye la esencia de su música. Su más importante aportación fue su enorme creatividad melódica, aportando mucho en un terreno que se creía agotado. Da igual si escribe para orquesta , instrumentos o voz, su obra es siempre eminentemente melódica y vocal. Lo mismo que Bartok tiene el don de escribir para cuerda, Poulenc lo tiene para escribir para la voz. Enriquece junto con Fauré, Debussy y Ravel la música vocal francesa de este siglo donde ocupa un puesto de privilegio. Debussy decía: "La musique doit humblement chercher a faire plaisir". La música de Poulenc se ve reflejada en estas palabras, siempre hay en ella un motivo para crear sonoridad placentera. Poulenc nunca cuestiona la supremacía del sistema tonal y modal, el cromatismo lo utilizará de forma pasajera. Profana o religiosa, maliciosa o conmovedora, la música de Poulenc encarna con gracia y melancolía, ligereza y gravedad, espontaneidad y refinamiento uno de los aspectos de la música francesa de nuestro siglo, quizá el más puro, donde el corazón y la inteligencia encuentran equilibrio en una obra humana y transparente.
Les Mamelles De Tiresias
1. Prologue
2. Act I, Non, Monsieur, mon mari
3. Act I, Donne moi du lard je te dis
4. Act I, Je demenage
5. Act I, Avec vous vieux Lacouf
6. Act I, Ah chere liberte
7. Act I, Ah puisqu'enfin voici un agent
8. Act I, Fameux representant de toute autorite
9. Act I, Elle sort un bobard
10. Act I, Entr'acte
11. Act II, Ah, c'est fou les joies de la paternite
12. Act II, Hands Up! Bonjour Monsieur le mari
13. Act II, Eh oui! c'est simple comme un periscope
14. Act II, Mon cher papa si vous voulez savoir
15. Act II, Celui-ci n'est pas reussi
16. Act II, Il parait que vous en faites de belles
17. Act II, Chastes citovens de Zanzibar me voicei
18. Act II, Il faut s'aimer ou je succombe
Le Bal Masque
19. I. Preambule et air de bravoure
20. II. Intermede
21. III. Malvina
22. IV. Bagatelle
23. V. La Dame aveugle
24. VI. Finale
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Seguimos con las recomendaciones de blogs amigos para todos aquellos que se les pasó por alto o no los conocen.
Sinfonias de los compositores brasileros Edino Krieger, Almeida Prado, Ronaldo Miranda, Egberto Gismonti y Jorge Antunes. Un disco del Ministerio de Cultura de Brasil subido en el blog Música Brasileira de Concerto.
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Este disco lleva poco más de un mes en la calle y fue subido en el excelente blog Ao Passarinho. Sin lugar a dudas el flaco Spinetta es uno de los mejores músicos que tenemos en Argentina en este momento. Este disco lo confirma.
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Por último, quien quiera un buen catálogo de partituras de compositores del siglo XX, visite el blog Aula Contemporánea, donde los chicos están armando un catálogo muy completo y con ejemplos de audio.
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1. Couleurs de la cité céleste (1963)
Et exspecto resurrectionem mortuorum (1964)
2. I. Des profondeurs de l'abîme, je crie vers toi, Seigneur
3. II. Le Christ, ressuscité des morts, ne meurt plus
4. III. L'heure vient où les morts entendront la voix du fils de Dieu...
5. IV. Ils ressusciteront, glorieux, avec un nom noveau dans le concert
6. V. Et j'entends la voix d'une foule immense...
Yvonne Loriod (Piano)
Percussion de Strasbourg Choir
Domaine Musicale Orchestra
Pierre Boulez
L'Ascension (1932-33)
Quatre Méditations symphoniques pour orchestre
7. I. Majesté du Christ demandant sa gloire à son Père
8. II. Alleluias sereins d'une âme qui désire le ciel
9. III. Alléluia sur la trompette, alléluia sur la cymbale
10. IV. Prière du Christ montant vers son Père
ORTF Philharmonic Orchestra
Marius Constant
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(mp3-192kbps)
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